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Mesopotamien: Geschichte der Mode

Mesopotamien: Geschichte der Mode


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Dieses Video zeigt angemessen die Kostüme, Haare und Make-up (sowohl männlich als auch weiblich) der Mesopotamier, insbesondere der Sumerer, die in der südlichen Region des heutigen Irak lebten.


Fashion Archives: Ein Blick in die Geschichte der Leinenstoffe

Eileen Fisher Leinenjacken

In den Tagen der frühen Zivilisation war Kleidung (offensichtlich) nicht die glamouröseste. Nämlich, Sie würden ein Tierfell aufwerfen und Feierabend machen. Stoffe, wie wir sie heute kennen, gab es nicht, und daher waren die Kleidungsstücke schwer und wahrscheinlich ziemlich eklig.

Glücklicherweise sind wir Menschen einfallsreiche Kreaturen und würden die Faser entdecken, die die Stoffe inspiriert hat, mit denen wir heute vertraut sind: Leinen-.

Leinen ist schön, weich und vielleicht das früheste bekannte konstruierte Textil. Im Land Georgia beispielsweise entdeckten Archäologen 34.000 Jahre alte Flachsfasern, die offenbar von unseren kreativen Vorfahren in leuchtenden, schönen Farben gefärbt worden waren.

In der Tat, als die Zivilisation den Punkt erreichte, an dem Land kultivieren konnte, wurde dies zu einem Wendepunkt für Kleidung und Stoffe. Die Menschen begannen, Flachs anzubauen, und aus dieser Pflanze wurde Leinen hergestellt. Die Fasern wurden zu Stoffen verwoben und Felle wurden zugunsten dieses handlicheren (und wahrscheinlich saubereren) Rohstoffs abgeworfen.

Da die Flachspflanze an vielen Orten der Welt beheimatet ist, von Nordafrika über Indien bis Westeuropa, hat Leinen Wurzeln und Geschichte in einer Vielzahl von Kulturen.

In Mesopotamien, der arbeitsintensive Anbau- und Herstellungsprozess für Leinen machte es äußerst wertvoll. So sehr, dass nur königliche oder religiöse Führer wie Priester als würdig erachtet werden konnten, es zu tragen oder es sich sogar leisten zu können.

Im alten ÄgyptenAuch Leinen wurde wegen seiner Seltenheit geschätzt, aber auch andere Faktoren trugen zu seinem Wert bei. Ägypter erkannten, dass sein hochwertiges Leinen leicht, resistent gegen Insekten und Feuchtigkeitstransport ist – perfekt für ein heißes Klima. Darüber hinaus war Hygiene in der altägyptischen Kultur äußerst wichtig, und Leinen mit seinen antimikrobiellen Eigenschaften und seiner glatten Textur galt als reines Material. Tatsächlich glaubte man, dass das Kleidungsstück umso reiner ist, je weißer der Stoff ist, und es sogar als „gewebtes Mondlicht“ bezeichnet.

Bei all dem ist es nicht verwunderlich, dass ägyptische Priester nur Leinen tragen durften. Der Stoff (und die leuchtend weiße Farbe) war für die Verwendung in verschiedenen Ritualen sehr gefragt. Damals war der Job des „Chief Royal Bleacher“ ein richtiger Beruf, wenn auch ein strenger. Kunst aus dieser Zeit zeigt einen intensiven Prozess des Aufziehens und Schrubbens des Stoffes, des Klopfens auf einen Stein, des Reibens des Stoffes mit Leder und des Wiederholens, bis er schließlich in der Sonne getrocknet werden kann. Das Leinen wurde so gut gepflegt, dass, als Archäologen 1922 den Pharao Tutanchamun entdeckten, Teile der Leinenhüllen, die den Körper bedeckten, trotz der vergangenen Jahrhunderte fast perfekt erhalten waren.

Wenn das Römer eroberten Ägypten im 4. Jahrhundert v. Chr., ihr Umgang mit Leinen ging genau in die entgegengesetzte Richtung. Während ägyptische Stoffe durch das weißeste Weiß gekennzeichnet waren, brachten die Römer lebendige, leuchtende Farbstoffe mit.

In seinen Schriften sprach Plinius der Ältere von einem Wettbewerb, der von Alexander dem Großen veranstaltet wurde, als er auf dem Indus segelte. Als erster Mann, der versuchte, Leinen zu färben, stellte er seine Generäle vor eine Herausforderung: Wer könnte seine Segel in der auffälligsten Farbe färben? Er ließ sogar Zuschauer vom Flussufer als Richter dienen, während die Schiffe vorbeifuhren. Der römische Farbenwahn setzte sich bis in Caesars Herrschaft fort. Der Diktator ließ sogar die Leinenmarkisen, die sich über das gesamte Forum Romanum erstreckten, „blau färben und mit Sternen besprenkeln“.

Phönizische Händler brachten erstmals um 900 v. In Europa wurde seine Verwendung jedoch erst im Mittelalter bekannt.

Alle Arten von Kleidung wurden aus Leinenstoff geschnitten, und im 16. Jahrhundert war der Flachsanbau weit verbreitet. Anstatt nur wenigen Auserwählten vorbehalten zu sein, war der Stoff in der Popularität explodiert.

Im 17. Jahrhundert entstand die Industrie für das klassische „irische Leinen“. Der Earl of Strafford und später der Duke of Ormonde trieben die Industrie voran, um nicht mit dem englischen Wollhandel zu konkurrieren.

Strafford holte Experten aus anderen Teilen Europas zur Beratung und importierte niederländisches Equipment sowie hochwertige Leinsamen. Die Industrie nahm im Laufe der folgenden Jahrhunderte Fahrt auf und irisches Leinen wurde zu einem zeitlosen, angesehenen Textil.

An dem Verfahren hat sich wenig geändert - heute wird irisches Leinen immer noch in den traditionellen Gebieten gewebt, in denen die Industrie von den Nachkommen derer, die mit dem Handel begannen, begründet wurde. Obwohl die moderne Industrie viel kleiner ist (zum Teil aufgrund der Konkurrenz billigerer Stoffe von geringerer Qualität), gedeiht sie heute noch.

Leinen kommt heute aus verschiedenen Gründen immer mehr in der Mode vor. In Sachen Nachhaltigkeit macht Leinen einfach Sinn – Naturfasern sind besser für die Umwelt und eine hervorragende Alternative zu Baumwolle.

Darüber hinaus verleihen ihm seine Qualität und Leistung ein luxuriöses Gefühl, selbst wenn es in Freizeitkleidung verwendet wird. Der Stoff wurde in vielen hochkarätigen Labels gezeigt.


Modearchiv: Die Geschichte von Fringe

Fringe (der dekorative Besatz an Kleidung, nicht die britische Version von Pony) hat in der Modeszene in letzter Zeit ein ziemliches Comeback erlebt. Sie können feststellen, dass es in einer Vielzahl von Stilen verwendet wird, von robusten Wildlederjacken bis hin zu glamourösen Partykleidern.

Diese Verzierung liegt definitiv im Trend – obwohl dies nur eine von vielen Wiederbelebungen ist. Tatsächlich ist Fransenbesatz seit weit über hundert Jahren in und aus der Mode gekommen und existiert seit Jahrhunderten.

Altes Mesopotamien

Fringe entstand im Jahr 3000 v. in Mesopotamien oder im heutigen Irak. Es wird angenommen, dass es in vielen Zivilisationen und von allen Klassen von Menschen weit verbreitet war. Obwohl es heute keine physischen Beweise für mesopotamische Randzonen gibt, haben die Menschen dieser Zeit detaillierte Skulpturen, Statuen und schriftliche Berichte hinterlassen, die uns ein Bild davon geben, wie diese antike Verzierung aussah.

Fransen wurden hauptsächlich in Röcken und Tüchern verwendet, um aus Baumwolle oder Leinen gewebte Kleidungsstücke (und für die Reichen aus Seide) zu schmücken.

In den späteren Jahren Mesopotamiens wurden Fransen immer aufwendiger. Zu den Moden gehörten Fransen, die in allen möglichen Schattierungen gefärbt oder in Stufen geschichtet waren und das gesamte Kleidungsstück verschönerten.

Fringe war für die mesopotamische Kultur so wichtig, dass es sogar als eine Art Unterschrift für wichtige Verträge verwendet wurde. Anstatt ihren Namen zu unterschreiben oder ein Siegel zu verwenden, drückten Männer ihre Fransen in einen Tonvertrag – sie waren so einzigartig.

Ein Teil der Kultur der amerikanischen Ureinwohner

Den amerikanischen Ureinwohnern wird auch zugeschrieben, dass sie zu den ersten Pionieren gehören, die Fransen in ihre Kleidung integrieren. Diese Verzierung wurde meist getrennt vom Rest des Kleidungsstücks erstellt, indem das Textil in Streifen geschnitten oder zu Kordeln gedreht wurde.

Leder oder Wildleder war das Material der Wahl. Für viele Stämme dienten Fransen einer Vielzahl von Zwecken, sie waren sowohl dekorativ als auch praktisch. Zum Beispiel half diese Art der Verzierung dem Träger, Regenwasser abzuwehren - Tropfen würden die Quasten hinunter und vom Körper wegfließen.

Fringe war auch ursprünglich eine Form der Nachhaltigkeit für die amerikanischen Ureinwohner. Bei ihren Bekleidungskonstruktionen war es gängige Praxis, die Nähte nicht zu beschneiden, da dies als Verschwendung galt.

Dies galt insbesondere für Lederbekleidung, da Leder lange Zeit brauchte, um sich vorzubereiten. Stattdessen wurden die Nähte in Fransen geschnitten, um einen dekorativeren Look zu erzielen. Jedes andere überschüssige Material wurde zu Fransen verarbeitet und zur Verzierung der Kleidung verwendet. Fransen würden wie sie sind verwendet oder mit Perlen oder Farbstoffen verziert.

Das goldene Zeitalter von Fringe

Die 1920er Jahre waren das glamouröse goldene Zeitalter der Randbedingungen. Die Mode dieses Jahrzehnts ist leicht zu erkennen – Kleider waren locker, aus luxuriösen Stoffen geschnitten und mit Fransen verziert.

Den Designern Madeline Vionette und Charles Worth wird zugeschrieben, Pionierarbeit für die 20er-Jahre-Version der Fransenmode zu leisten. Worth kreierte ein silbriges „Lametta“-Kleid, während Vionettes Version einen auffälligen Blumendruck mit langen, geschwungenen Fransen aufwies.

Ein Kleid insbesondere, das Charleston (benannt nach dem Tanz), war vollständig mit Fransen bedeckt. Es war ein beliebtes Partykleid aufgrund eines speziellen Effekts - beim Tanzen bewegten sich die Fransen und zitterten mit der Trägerin und gab manchmal sogar ein Aufblitzen des Beins frei.

Viele ikonische Prominente aus dieser Zeit haben glamouröse Fransen-Looks in ihre Kleiderschränke integriert. Joan Crawford, Olive Borden und Claudette Colbert gehörten zu den vielen, die diese Verzierung liebten.

Eine rebellische Kante

Fringe geriet für einige Jahre kurz aus der Mode, und als es in den 1950er Jahren zurückkehrte, nahm es eine rebellischere Note an. Leder-Bikerjacken begannen mit Fransendetails - die Hell's Angels-Motorradjacken und -handschuhe wurden häufig damit verziert.

Gleichzeitig wurden die Fransenjacken von Elvis Presley Teil seines unverkennbaren Looks. Fringe war auch eine modische Zierde für Leinwand-Diven wie Rita Hayworth. 1952 trug sie atemberaubend ein Kleid, das vollständig mit Pailletten und Fransen bedeckt war.

1960’er und 1970’er

Fransenstile schlossen sich in den 60er und 70er Jahren, als sich viele Designer von den ursprünglichen Fransen der amerikanischen Ureinwohner sowie von Stilen aus Afrika inspirieren ließen.

Yves Saint Laurent kreierte 1967 zwei mit Fransen gefüllte Kollektionen, und viele Prominente trugen Fransenjacken und Kleider aus Wildleder.

Es wurde ein besonders ikonischer Look für Cher, die Fransen sowohl in ihre Freizeit- als auch in ihre Abendmode einarbeitete. Wer könnte die unverschämten Fransenkleider vergessen, die sie in Performances und Musikvideos getragen hat?

Heute ist Fransen in den letzten paar Saisons im Trend. Es wurde auf den Laufstegen von Derek Lam, Edun, Hugo Boss, Diane Von Furstenberg, Anna Sui und Prabal Gurung gesehen, um nur einige zu nennen. Es ist ein Trend, der weiter auftaucht und wahrscheinlich auch bleiben wird.


Inhalt

Die Entwicklung der Textil- und Bekleidungsherstellung in der Vorgeschichte ist seit Ende des 20. Jahrhunderts Gegenstand zahlreicher wissenschaftlicher Untersuchungen. [3] [4] Diese Quellen haben dazu beigetragen, eine kohärente Geschichte dieser prähistorischen Entwicklungen zu liefern. Es gibt Hinweise darauf, dass Menschen bereits vor 100.000 bis 500.000 Jahren angefangen haben, Kleidung zu tragen. [5]

Frühe Annahme von Bekleidung Bearbeiten

Die genetische Analyse legt nahe, dass sich die menschliche Körperlaus, die in der Kleidung lebt, möglicherweise erst vor etwa 170.000 Jahren von der Kopflaus abwandte, was den Beweis stützt, dass der Mensch etwa zu dieser Zeit begann, Kleidung zu tragen. Diese Schätzungen stammen aus der Zeit vor dem ersten bekannten menschlichen Exodus aus Afrika, obwohl andere Hominidenarten, die möglicherweise Kleidung getragen haben – und diesen Lausbefall teilten – anscheinend früher eingewandert sind.

Nähnadeln werden auf mindestens 50.000 Jahre datiert (Denisova-Höhle, Sibirien) – und eindeutig mit [ Klärung nötig ] mit einer anderen menschlichen Spezies als dem modernen Menschen, d.h. H. Denisova/H. Altai. Das älteste mögliche Beispiel ist vor 60.000 Jahren eine Nadelspitze (fehlender Stiel und Öhr), die in der Sibudu-Höhle in Südafrika gefunden wurde. Andere frühe Beispiele von Nadeln aus der Zeit vor 41.000 bis 15.000 Jahren finden sich an mehreren Stellen, z. Slowenien, Russland, China, Spanien und Frankreich.

Die frühesten gefärbten Flachsfasern wurden in einer prähistorischen Höhle in Georgia gefunden und stammen aus 36.000. [6]

Die 25.000 Jahre alte Venusfigur "Venus von Lespugue", gefunden in Südfrankreich in den Pyrenäen, zeigt einen Rock aus Stoff oder gedrehten Fasern. Andere Figuren [ welcher? ] aus Westeuropa wurden mit Korbhüten oder Mützen geschmückt, Gürtel wurden in der Taille getragen und ein Tuch, das sich direkt über der Brust um den Körper wickelte. Osteuropäische Figuren trugen Gürtel, hing tief an den Hüften und manchmal auch Schnürröcke.

Archäologen haben Artefakte aus der gleichen Zeit entdeckt, die anscheinend in der Textilkunst verwendet wurden: (5000 v. Chr.) Netzmaße, Spindelnadeln und Webstöcke. [ Zitat benötigt ]

Das Wissen um antike Textilien und Kleidung hat sich in der jüngeren Vergangenheit aufgrund moderner technologischer Entwicklungen erweitert. [7] Das erste wirkliche Textil, im Gegensatz zu zusammengenähten Häuten, wurde wahrscheinlich gefilzt. [ Zitat benötigt ] Das erste bekannte Textil Südamerikas wurde in der Guitarrero-Höhle in Peru entdeckt. Es wurde aus Pflanzenfasern gewebt und stammt aus dem Jahr 8000 v. u. Z. [8] Überlebende Beispiele von Nålebinding, einer anderen frühen Textilmethode, wurden in Israel gefunden und stammen aus dem Jahr 6500 v. [9]

Webstühle Bearbeiten

Von der Vorgeschichte bis zum frühen Mittelalter dominieren in den meisten Ländern Europas, des Nahen Ostens und Nordafrikas zwei Haupttypen von Webstühlen die Textilproduktion. Dies sind der kettengewichtete Webstuhl und der zweistrahlige Webstuhl. Die Länge des Tuchbaums bestimmt die Breite des darauf gewebten Tuches und kann 2 bis 3 Meter breit sein. Der zweite Webstuhltyp ist der zweistrahlige Webstuhl. [10] Frühe gewebte Kleidung wurde oft aus vollen Webstuhlbreiten hergestellt, die drapiert, gebunden oder festgesteckt waren.

Erhaltung Bearbeiten

Unser Kulturwissen variiert stark mit den klimatischen Bedingungen, denen archäologische Ablagerungen ausgesetzt sind und anderen feuchten Teilen der Welt bleibt unklar. Auch in Nordeurasien können Torfmoore Textilien sehr gut konservieren.

Der Textilhandel in der Antike Bearbeiten

Während der Jungstein- und Bronzezeit boten die fruchtbaren Böden der eurasischen Steppe einen Ort für ein Netzwerk von Nomadengemeinschaften, um sich zu entwickeln und zu interagieren. Die Steppenstraße hat seit jeher Regionen des asiatischen Kontinents mit Handel und Kulturvermittlung, einschließlich Kleidung, verbunden.

Um 114 v. Chr. initiierte die Han-Dynastie [11] die Handelsroute der Seidenstraße. Geografisch gesehen ist die Seidenstraße oder Seidenstraße eine miteinander verbundene Reihe alter Handelsrouten zwischen Chang'an (dem heutigen Xi'an) in China, Kleinasien und dem Mittelmeer, die sich über 8.000 km (5.000 Meilen) zu Land und zu Wasser erstrecken. Der Handel auf der Seidenstraße war ein bedeutender Faktor bei der Entwicklung der großen Zivilisationen Chinas, Ägyptens, Mesopotamiens, Persiens, des indischen Subkontinents und Roms und trug dazu bei, die Grundlagen für die moderne Welt zu legen. Auf der Seidenstraße, die Händler, Kaufleute, Pilger, Mönche, Soldaten, Nomaden und Stadtbewohner zu verschiedenen Zeiten von China bis zum Mittelmeer verband, dominierte der Austausch von Luxustextilien.

Alter Naher Osten Bearbeiten

Die frühesten bekannten gewebten Textilien des Nahen Ostens könnten Flachsstoffe sein, die zum Umhüllen der Toten verwendet wurden, an einer neolithischen Stätte in Çatalhöyük in Anatolien ausgegraben, karbonisiert und „durch mehrere Schichten Lehm/Gips geschützt, in einem anaeroben Milieu. gebacken“ oder „dampfgegart“ [12] in einem Feuer und Radiokarbon datiert auf c. 6000 v. [13] Es gibt Hinweise auf Flachsanbau von ca. 8000 v. 3000 VOR CHRISTUS. [13]

In Mesopotamien war die Kleidung eines normalen Sumerers besonders im Sommer sehr einfach, im Winter trug er Kleidung aus Schafspelz. Sogar wohlhabende Männer wurden mit nackten Oberkörpern dargestellt und trugen nur einen kurzen Rock, bekannt als Kaunakes, während Frauen lange Kleider bis zu den Knöcheln trugen. Der König trug eine Tunika, einen bis zu den Knien reichenden Mantel mit einem Gürtel in der Mitte. Im Laufe der Zeit hat die Entwicklung des Wollweberhandwerks zu einer großen Vielfalt an Kleidung geführt. So trugen die Männer gegen Ende des 3. Jahrtausends v. Chr. und später eine Tunika mit kurzen Ärmeln und sogar über den Knien mit einem Gürtel (über dem die Reichen einen Wollmantel trugen). Damenkleider waren abwechslungsreicher gestaltet: mit oder ohne Ärmel, schmal oder weit, meist lang und ohne den Körper hervorzuheben [14]

Ein möglicher Knochengürtelhaken, der in den bronzezeitlichen Schichten von Yanik Tepe, nordöstlich des Urmia-Sees (Iran) gefunden wurde.

Sumerische Statuen von Gläubigen (Männer und Frauen) 2800-2400 v. Chr. (frühdynastische Zeit) Nationalmuseum des Irak (Baghdad)

Der Gott Abu (?) und eine weibliche Statuette 2800-2400 v. Der Lendenschurz ist erkennbar zu einem Rock geworden und die gedrehten Büschel sind zu Fransen geschrumpft [15]

Die Statue von Ebih-Il C. 2400 v. Chr. Gips, Schiefer, Muscheln und Lapislazuli Höhe: 52,5 cm Louvre (Paris)

Altes Indien Bearbeiten

Bisherige Ausgrabungen von Stätten der Zivilisation im Indus-Tal haben einige verdrehte Baumwollfäden im Zusammenhang mit einer Verbindungsschnur für eine Perlenkette ergeben. [16] Eine in Mehrgarh entdeckte Terrakotta-Figur zeigt jedoch eine männliche Figur, die einen Turban trägt, der allgemein als Turban interpretiert wird. Eine Figurin mit der Aufschrift "Priesterkönig" aus der Stätte von Mohenjo-daro zeigt das Tragen eines Schals mit floralen Mustern. Bisher ist dies die einzige Skulptur aus dem Industal, die Kleidung so detailliert zeigt. Andere Skulpturen tanzender Mädchen, die in Mohenjo-daro ausgegraben wurden, zeigen nur das Tragen von Armreifen und anderem Schmuck. [17] Es liefert jedoch keinen konkreten Beweis für die Legitimation der Geschichte der Kleidung in der Harappa-Zeit. Harappan haben vielleicht sogar natürliche Farben verwendet, um ihren Stoff zu färben. Untersuchungen zeigen, dass der Anbau von Indigopflanzen (Gattung: Indigofera) war weit verbreitet.

Herodot, ein altgriechischer Historiker, erwähnt die indische Baumwolle im 5. Jahrhundert v. Chr. als "eine Wolle, die an Schönheit und Güte die von Schafen übertrifft". Als Alexander der Große 327 v. Chr. In Indien einfiel, trugen seine Truppen Baumwollkleidung, die bequemer war als ihre vorherigen Wollkleidung. [18] Strabo, ein anderer griechischer Historiker, erwähnte die Lebendigkeit indischer Stoffe, und Arrian erzählte 130 n. Chr. vom indisch-arabischen Handel mit Baumwollstoffen. [19]

Statue des "Priesterkönigs" in einer Robe 2400-1900 v.

Der Didarganj Yakshi, der die darstellt Dhoti-Wrap ca. 300 v. Chr. Bihar Museum (Indien)

Der Buddha trägt Kaya-Gewande um 200 v. Chr. Tokyo National Museum (Japan)

Alte Form von Churidar getragen während der Gupta-Periode um 300 n. Chr. National Museum (Neu-Delhi)

Gemälde auf Holztafel, das von Aurel Stein in Dandan Oilik entdeckt wurde und die Legende der Prinzessin darstellt, die Seidenraupeneier in ihrem Kopfschmuck versteckte, um sie aus China in das Königreich Khotan zu schmuggeln British Museum (London) 7. bis 8. Jahrhundert

Altes Ägypten Bearbeiten

Es gibt Beweise für die Herstellung von Leinentuch im alten Ägypten in der Jungsteinzeit, c. 5500 v. Chr. Der Anbau von domestizierten Wildleinen, vermutlich ein Import aus der Levante, ist bereits um ca. 6000 v. Andere Bastfasern wie Binsen, Schilf, Palmen und Papyrus wurden allein oder mit Leinen verwendet, um Seile und andere Textilien herzustellen. Beweise für die Wollproduktion in Ägypten sind zu dieser Zeit spärlich. [20]

Zu den Spinntechniken gehörten die Fallspindel, das Hand-zu-Hand-Spinnen und das Rollen auf dem Oberschenkel wurde ebenfalls gespleißt. [20] Ein horizontaler Bodenwebstuhl wurde vor dem Neuen Reich verwendet, als ein vertikaler Webstuhl mit zwei Balken eingeführt wurde, wahrscheinlich aus Asien.

Leinenbandagen wurden bei der Bestattungssitte der Mumifizierung verwendet, und die Kunst zeigt ägyptische Männer in Leinenröcken und Frauen in engen Kleidern mit verschiedenen Formen von Hemden und Jacken, oft aus reinem Faltenstoff. [20]

Paar Sandalen 1390-1352 v. Chr. Gras, Schilf und Papyrus Metropolitan Museum of Art (New York City)

Illustration aus dem Buch Altägyptische, assyrische und persische Kostüme und Dekorationen

Illustration einer Göttin aus Altägyptische, assyrische und persische Kostüme und Dekorationen

Statue von Sobekhotep VI, der den ägyptischen Männerrock trägt, den shendyt, aus dem Neuen Museum (Berlin, Deutschland)

Altes China Bearbeiten

Die frühesten Beweise für die Seidenproduktion in China wurden an den Stätten der Yangshao-Kultur in Xia, Shanxi, gefunden, wo ein Kokon aus Bombyx mori, der domestizierten Seidenraupe, der mit einem scharfen Messer in zwei Hälften geschnitten wurde, auf die Zeit zwischen 5000 und 3000 v. Chr. Datiert wird. Fragmente primitiver Webstühle sind auch von den Stätten der Hemudu-Kultur in Yuyao, Zhejiang, zu sehen, die auf etwa 4000 v. Chr. Datiert werden. In einer Liangzhu-Kulturstätte in Qianshanyang in Huzhou, Zhejiang, wurden Seidenreste aus dem Jahr 2700 v. Chr. gefunden. [21] [22] Andere Fragmente wurden aus Königsgräbern in der [Shang-Dynastie] (ca. 1600 – ca. 1046 v. Chr.) geborgen. [23]

Unter der Shang-Dynastie bestand Han-chinesische Kleidung oder Hanfu aus a ja, eine knielange Tunika mit schmalen Bündchen, die mit einer Schärpe gebunden wird, und ein schmaler, knöchellanger Rock, genannt shang, getragen mit a bixi, ein Stück Stoff, das bis zu den Knien reicht. Kleidung der Elite bestand aus Seide in lebendigen Primärfarben.

Gemälde von Kaiser Yao mit einem Shenyi

Gewebtes Seidentextil aus dem Mawangdui in Changsha (Provinz Hunan, China), aus dem 2. Jahrhundert v. Chr.

Die mianfu des Kaisers Wu aus der Jin-Dynastie, Gemälde des Hofkünstlers Yan Liben . aus dem 7. Jahrhundert

Das alte Thailand Bearbeiten

Die frühesten Beweise für das Spinnen in Thailand finden sich in der archäologischen Stätte von Tha Kae in Zentralthailand. Tha Kae wurde vom Ende des ersten Jahrtausends v. Chr. bis zum Ende des ersten Jahrtausends n. Chr. bewohnt. Hier entdeckten Archäologen 90 Fragmente eines Spindelquirls aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. bis zum 3. Jahrhundert n. Chr.. Und die Form dieser Funde weist auf die Verbindungen nach Südchina und Indien hin. [24]

Altes Japan Bearbeiten

Die frühesten Beweise für das Weben in Japan werden mit der Jōmon-Zeit in Verbindung gebracht. Diese Kultur wird durch mit Kordelmustern verzierte Töpferwaren definiert. In einem etwa 5.500 Jahre alten Muschelhaufen in der Präfektur Miyagi wurden Stofffragmente aus Rindenfasern entdeckt. [25] Hanffasern wurden auch im Torihama-Muschelhügel in der Präfektur Fukui aus der Jōmon-Zeit entdeckt, was darauf hindeutet, dass diese Pflanzen auch für Kleidung verwendet worden sein könnten. Einige Keramikmusterabdrücke zeigen auch feine Mattenmuster, die ihre Webtechniken beweisen. Die Muster der Jōmon-Keramik zeigen Menschen mit kurzen Oberbekleidungen, enganliegenden Hosen, Trichterärmeln und seilartigen Gürteln. Die Darstellungen zeigen auch Kleidung mit gestickten Mustern oder gemalten Bogenmustern, wobei nicht ersichtlich ist, ob dies auf das Aussehen der Kleidung hindeutet oder einfach nur die verwendete Darstellungsart ist. Auch die Keramik zeigt keinen Unterschied zwischen männlichen und weiblichen Gewändern. Dies mag daran zutreffen, dass Kleidung in dieser Zeit eher der Dekoration als der sozialen Unterscheidung diente, aber es könnte auch nur an der Darstellung auf den Töpferwaren liegen und nicht daran, wie sich die Menschen zu dieser Zeit tatsächlich kleideten. Da auch Knochennadeln gefunden wurden, wird vermutet, dass sie zusammengenähte Kleider trugen. [26]

Als nächstes kam die Yayoi-Zeit, in der der Reisanbau entwickelt wurde. Dies führte zu einer Verschiebung von Jäger-Sammler-Gemeinschaften zu Agrargesellschaften, die einen großen Einfluss auf die Kleidung hatten. Nach der chinesischen Literatur aus dieser Zeit begann man, Kleidung zu tragen, die der Landwirtschaft angemessener war. Zum Beispiel ein nicht vernähtes Stück Stoff, das um den Körper gewickelt wird, oder ein ponchoartiges Kleidungsstück, in das ein Kopfloch geschnitten ist. Dieselbe Literatur weist auch darauf hin, dass rosa oder scharlachrotes Make-up getragen wurde, aber auch, dass die Manierismen zwischen Menschen jeden Alters und Geschlechts nicht sehr unterschiedlich waren. Dies ist jedoch umstritten, da es wahrscheinlich kulturelle Vorurteile in dem chinesischen Dokument gab. Es gibt einen weit verbreiteten japanischen Glauben, dass die Yayoi-Zeit ziemlich utopisch war, bevor der chinesische Einfluss begann, die Verwendung von Kleidung zu fördern, um Alter und Geschlecht anzuzeigen.

Von 300 bis 550 n. Chr. herrschte die Yamato-Zeit, und hier lässt sich ein Großteil des Kleidungsstils von den Artefakten der Zeit ableiten. Besonders die Grabstatuen (haniwa) sagen uns, dass sich der Kleidungsstil von denen nach den chinesischen Berichten aus dem vorherigen Zeitalter geändert hat. Die Statuen tragen normalerweise ein zweiteiliges Outfit mit einem Oberteil mit einer vorderen Öffnung und eng geschnittenen Ärmeln mit weiten Hosen für Männer und einem Faltenrock für Frauen. Die Seidenzucht wurde zu dieser Zeit von den Chinesen eingeführt, aber aufgrund der Kosten der Seide wurde sie nur von Menschen bestimmter Klassen oder Ränge genutzt.

Die folgenden Perioden waren die Asuka (550 bis 646 n. Chr.) und Nara (646 bis 794 n. Chr.), als Japan eine einheitlichere Regierung entwickelte und anfing, chinesische Gesetze und soziale Rangordnungen anzuwenden. Diese neuen Gesetze verlangten von den Menschen, verschiedene Stile und Farben zu tragen, um ihren sozialen Status anzuzeigen. Die Kleidung wurde im Allgemeinen länger und breiter und die Nähmethoden wurden fortschrittlicher. [27]

Klassische Periode der Philippinen Bearbeiten

Die klassische philippinische Kleidung variierte nach Kosten und aktuellen Moden und deutete so auf gesellschaftliche Stellung hin. Die grundlegenden Kleidungsstücke waren der Bahag und der Röhrenrock – was die Maranao Malong nennen – oder stattdessen eine leichte Decke, die man umwickelt. Für öffentliche Auftritte und vor allem zu formellen Anlässen kamen jedoch prestigeträchtigere Kleider, lihin-lihin, hinzu – Blusen und Tuniken, weite Kittel mit Ärmeln, Umhänge oder knöchellange Roben. Die Textilien, aus denen sie hergestellt wurden, waren ähnlich vielfältig. In aufsteigender Wertreihenfolge waren es Abaca, mit farbigem Baumwollfaden verzierte Abaca, Baumwolle, mit Seidenfäden verzierte Baumwolle, Seide, importierte Drucksachen und eine elegante Abaca, die aus ausgewählten Fasern fast so dünn wie Seide gewebt ist. Außerdem erwähnte Pigafetta sowohl G-Strings als auch Röcke aus Rindenstoff.

Untaillierte Kleidung hatte jedoch keine bestimmten Namen. Pandong, ein Damenmantel, bedeutete einfach jede natürliche Bedeckung, wie das Wachstum auf einem Bananenstamm oder ein Geburtsblatt. In Panay ist das Wort Kurong, was lockiges Haar bedeutet, wurde auf jeden kurzen Rock oder jede Bluse aufgetragen, und einige bessere aus importiertem Chintz oder Kattun wurden einfach nach dem Namen des Stoffes selbst, Tabas, genannt. Auch der Wickelrock, den die Tagalogs Tapis nannten, wurde kaum als Rock angesehen: Visayans nannten ihn nur Habul (Gewebe) oder Halong (Abaca) oder sogar Hulun (Schärpe).

Der übliche männliche Kopfschmuck war der Pudong, ein Turban, obwohl in Panay sowohl Männer als auch Frauen auch ein Kopftuch oder Bandana namens . trugen Bäumchen. Die Bürger trugen Pudong aus rauem Abaca-Tuch, der nur um wenige Windungen gewickelt war, so dass es eher ein Stirnband als ein Turban war und daher genannt wurde pudong-pudong – als die Kronen und Diademe auf christlichen Bildern wurden später genannt. Ein rotes Pudong hieß Magalong und war das Abzeichen der Tapferen, die einen Feind getötet hatten. Die prestigeträchtigste Art von Pudong, beschränkt auf die Tapfersten, war, wie ihre G-Strings, aus Pinayusan, einem hauchdünnen Abaca aus Fasern, die wegen ihrer Weiße ausgewählt wurden, ein tiefes Scharlachrot in Mustern so fein wie Stickereien gebatikt und zu einem seidigen Glanz poliert . Mit jeder weiteren Tapferkeitsleistung verlängerten sich solche Pudongs: Echte Helden ließen daher mit affektierter Nachlässigkeit ein Ende hängen. Frauen trugen im Allgemeinen ein Kopftuch, Tubatub genannt, wenn es über den ganzen Kopf gezogen wurde, aber sie hatten auch einen breitkrempigen Hut namens Sayap oder Tarindak, der aus Sagopalmenblättern gewebt war. Einige waren offensichtlich ein Zeichen von Rang: Als Humabons Königin während Magellans Besuch zur Messe ging, gingen ihr drei Mädchen voraus, die einen ihrer Hüte trugen. Ein Kopfschmuck aus Cebu mit einer tiefen Krone, der von beiden Geschlechtern für Reisen zu Fuß oder mit dem Boot verwendet wurde, wurde genannt sarok, was eigentlich bedeutete, für Wasser zu gehen. [28]

Klassisches Griechenland Bearbeiten

Stoff im antiken Griechenland wurde auf einem kettengewichteten Webstuhl gewebt. Das erste erhaltene Bild des Webens in der westlichen Kunst stammt von einem Terrakotta-Lekythos im Metropolitan Museum of Art, NY. Die Vase, C. 550-530 v. u. Z. zeigt zwei Frauen, die an einem aufrechten Webstuhl weben. Die Kettfäden, die oben senkrecht zu einem Balken verlaufen, sind unten mit Gewichten zusammengebunden, die sie straff halten. Die Frau rechts führt das Schiffchen mit dem Webfaden über die Mitte der Kette. Die Frau links verwendet einen Schläger, um die bereits gewebten Fäden zu festigen. [29]

Kleid in der klassischen Antike bevorzugt weite, nicht vernähte Stoffbahnen, die auf verschiedene Weise am Körper befestigt und drapiert werden.

Die altgriechische Kleidung bestand aus Woll- oder Leinenlängen, die im Allgemeinen rechteckig waren und an den Schultern mit verzierten Nadeln, den Fibeln genannt, befestigt und mit einer Schärpe gegurtet waren. Typische Kleidungsstücke waren die Peplos, ein lockeres Gewand, das von Frauen getragen wurde, die Chlamys, ein Mantel, der von Männern getragen wurde, und der Chiton, eine Tunika, die sowohl von Männern als auch von Frauen getragen wurde. Die Chitons der Männer hingen bis zu den Knien, während die Chitons der Frauen bis zu den Knöcheln reichten. Ein langer Umhang, Himation genannt, wurde über den Peplos oder Chlamys getragen.

Die Toga des antiken Roms war auch ein nicht genähtes Stück Wollstoff, das von männlichen Bürgern auf verschiedene Weise um den Körper drapiert wurde, über einer einfachen Tunika. Frühe Tuniken waren zwei einfache Rechtecke, die an den Schultern und Seiten verbunden waren, spätere Tuniken hatten genähte Ärmel. Frauen trugen die drapierte Stola oder eine knöchellange Tunika mit einer schalartigen Palla als Oberbekleidung. Wolle war der bevorzugte Stoff, obwohl auch Leinen, Hanf und kleine Mengen teurer importierter Seide und Baumwolle getragen wurden.

Eisenzeit Europa Bearbeiten

Die Eisenzeit wird grob als das Ende der Bronzezeit um 1200 v. Chr. bis 500 n. Chr. und dem Beginn des Mittelalters bezeichnet. Aus dieser Zeit wurden Leichen und Kleidung gefunden, die durch die anaeroben und sauren Bedingungen der Torfmoore in Nordwesteuropa erhalten wurden. Eine dänische Nachbildung von Kleidung, die mit solchen Körpern gefunden wurde, weist auf gewebte Wollkleider, Tuniken und Röcke hin. [30] Diese waren weitgehend ungeformt und wurden mit Ledergürteln und Metallbroschen oder -nadeln befestigt. Die Kleidungsstücke waren nicht immer schlicht, sondern eingearbeitete Dekorationen mit Kontrastfarben, insbesondere an den Enden und Kanten des Kleidungsstücks. Männer trugen Reithosen, möglicherweise mit zum Schutz umwickelten Unterschenkeln, obwohl Boucher angibt, dass auch lange Hosen gefunden wurden. [31] Die Wärme kam von wollenen Schals und Umhängen aus Tierhaut, die wahrscheinlich mit dem Fell nach innen getragen wurden, um zusätzlichen Komfort zu bieten. Es wurden Mützen getragen, auch aus Fellen, und es wurde Wert auf Haarschmuck gelegt, von Zöpfen bis hin zu aufwendigen schwäbischen Knoten. [32] Weiche Schnürschuhe aus Leder schützen den Fuß.

Die Geschichte der mittelalterlichen europäischen Kleidung und Textilien hat im 21. Jahrhundert viel wissenschaftliches Interesse geweckt. Elisabeth Crowfoot, Frances Pritchard und Kay Staniland verfassten Textilien und Kleidung: Mittelalterliche Funde aus Ausgrabungen in London, c.1150-c.1450 (Boydell-Presse, 2001). Das Thema ist auch Gegenstand einer jährlichen Reihe, Mittelalterliche Kleidung und Textilien (Boydell Press), herausgegeben von Robin Netherton und Gale R. Owen-Crocker, emeritierter Professor für angelsächsische Kultur an der Universität Manchester.

Byzanz Bearbeiten

Die Byzantiner produzierten und exportierten sehr reich gemusterte Stoffe, die für die Oberschicht gewebt und bestickt und für die Unterschicht resistent gefärbt und bedruckt wurden. [33] Zur Zeit Justinians war die römische Toga durch die Tunika oder lang . ersetzt worden chiton, für beide Geschlechter, über denen die Oberschicht verschiedene andere Gewänder trug, wie a dalmatika (Dalmatik), eine schwerere und kürzere Art von Tunika, kurze und lange Umhänge wurden auf der rechten Schulter befestigt.

Leggings und Strumpfhosen wurden oft getragen, sind aber in Darstellungen der Reichen, die sie mit Barbaren in Verbindung brachten, egal ob Europäer oder Perser, nicht prominent. [34]

Frühmittelalterliches Europa Bearbeiten

Die europäische Kleidung änderte sich in den Jahren 400 bis 1100 allmählich. In vielen Ländern kleideten sich die Menschen unterschiedlich, je nachdem, ob sie sich mit der alten romanisierten Bevölkerung oder den neu einfallenden Bevölkerungsgruppen wie Franken, Angelsachsen und Westgoten identifizierten. Männer der eindringenden Völker trugen im Allgemeinen kurze Tuniken mit Gürteln und sichtbaren Hosen, Strümpfen oder Leggings. Die romanisierte Bevölkerung und die Kirche blieben den längeren Tuniken der römischen Festtracht treu. [35]

Die Elite importierte Seidenstoffe aus byzantinischen und später muslimischen Welten und wahrscheinlich auch Baumwolle. Sie konnten sich auch gebleichtes Leinen und gefärbte und einfach gemusterte Wolle leisten, die in Europa selbst gewebt wurden. Aber gestickte Dekoration war wahrscheinlich sehr verbreitet, wenn auch in der Kunst normalerweise nicht nachweisbar. Unterschichten trugen lokale oder selbstgesponnene Wolle, oft ungefärbt, verziert mit Dekorationsbändern, verschiedenen Stickereien, tafelgewebten Bändern oder bunten Bordüren, die im Webstuhl in den Stoff eingewebt wurden. [36] [37]

Hochmittelalter und der Aufstieg der Mode Bearbeiten

Die Kleidung im 12. und 13. Jahrhundert in Europa blieb sowohl für Männer als auch für Frauen sehr einfach und auf dem gesamten Subkontinent ziemlich einheitlich. Die traditionelle Kombination aus kurzer Tunika mit Hose für Arbeiter aus der Arbeiterklasse und langer Tunika mit Überkleid für Damen und Herren aus der Oberschicht blieb die Norm. Die meisten Kleidungsstücke, insbesondere außerhalb der wohlhabenderen Schichten, blieben drei oder vier Jahrhunderte zuvor kaum verändert. [38]

Das 13. Jahrhundert brachte große Fortschritte beim Färben und Verarbeiten von Wolle, dem mit Abstand wichtigsten Material für Oberbekleidung. Leinen wurde zunehmend für Kleidung verwendet, die direkt mit der Haut in Berührung kam. Im Gegensatz zu Wolle kann Leinen in der Sonne gewaschen und gebleicht werden. Baumwolle, die roh aus Ägypten und anderswo importiert wurde, wurde zum Polstern und Quilten verwendet, und Tücher wie Buckram und Fustian.

Aus der Levante zurückgekehrte Kreuzfahrer brachten das Wissen um ihre feinen Textilien, einschließlich leichter Seide, nach Westeuropa. In Nordeuropa war Seide ein importierter und sehr teurer Luxus. [39] Die Wohlhabenden konnten sich gewebten Brokat aus Italien oder noch weiter weg leisten. Modische italienische Seide dieser Zeit zeigte sich wiederholende Muster von Rondellen und Tieren, die aus osmanischen Seidenwebereien in Bursa und schließlich aus der chinesischen Yuan-Dynastie über die Seidenstraße stammten. [40]

Kultur- und Trachtenhistoriker sind sich einig, dass die Mitte des 14. Jahrhunderts das Aufkommen einer erkennbaren "Mode" in Europa markiert. [41] [42] Von diesem Jahrhundert an veränderte sich die westliche Mode in einem Tempo, das anderen Zivilisationen, ob alt oder zeitgenössisch, völlig unbekannt war. [43] In den meisten anderen Kulturen führten nur große politische Veränderungen, wie die muslimische Eroberung Indiens, zu radikalen Veränderungen in der Kleidung, und in China, Japan und dem Osmanischen Reich änderte sich die Mode über mehrere Jahrhunderte nur geringfügig. [44]

In dieser Zeit wurden die drapierten Kleidungsstücke und geraden Nähte der vergangenen Jahrhunderte durch geschwungene Nähte und die Anfänge der Schneiderkunst ersetzt, die die Kleidung ebenso wie die Verwendung von Schnürungen und Knöpfen näher an die menschliche Form anschmiegen ließen. [45] Eine Mode für mi-parti oder einfarbig Kleidungsstücke aus zwei kontrastierenden Stoffen, eines auf jeder Seite, entstanden Mitte des Jahrhunderts für Männer [46] und waren besonders am englischen Hof beliebt. Manchmal hatte nur der Schlauch an jedem Bein unterschiedliche Farben.


Die Demokratisierung der Mode: Eine kurze Geschichte

„Mode für alle“ ist keine neue Einbildung. Es gibt keinen einzigen Ansatz, um den unaufhörlichen Informationsfluss zwischen der Modeindustrie und ihren Verbrauchern zu erkennen, der existiert, seit Näherinnen zum ersten Mal maßgeschneiderte Kleider (Haute Couture bedeutet fast wörtlich hohes Nähen) für Königinnen und Prominente genäht haben.
Lange bevor die Fashion Weeks sechs Monate im Voraus die Trends der nächsten Saison präsentierten, veranstalteten Designer Koffershows für aristokratische Kunden, um sie zu bestellen, bevor sie ihre Koffer packten und für einen längeren Urlaub verschifften. Geld und Status waren nicht die einzigen Hindernisse für die All-Access-Mode. In den Anfängen der Mercedes-Benz Fashion Week hieß sie Press Week, bei der Ladenkäufer von der Teilnahme ausgeschlossen waren.

Die künstlichen Wände zwischen People und High Fashion haben jedoch nie vom Boden bis zur Decke gestanden. Die Demokratisierung der Mode begann weitgehend, als Mode die ersten gedruckten Seiten im Jahr 1892 und New York führte 1943 die Laufstege der Press Week ein, um die Aufmerksamkeit von Couturiers in Paris abzulenken, das von den Nazis besetzt und daher undurchdringlich für die bedürftige Modewelt der Staaten war. Seine DNA liegt zum Teil in Anna Wintours Entscheidung, Michaela Bercu in Jeans auf das erste Cover zu setzen, das sie während der Rezession 2009 an der Spitze der Vogue und ihrem Engineering Fashion’s Night Out betreute, um das Einkaufen zum vollen Preis durch die Behandlung auf dem roten Teppich zu fördern.

Schneller Vorlauf bis 2013, als die Mercedes-Benz Fashion Week ankündigte, dass alle 54 Shows online vom Lincoln Center auf der eigenen Website der Mercedes-Benz Fashion Week gestreamt werden (im Gegensatz zu YouTube, das dies in den letzten drei Jahren getan hat). -exklusive Mode- und Schönheitswelt entfernt sich immer weiter von ihrem einst exklusiven Reich. Die Designs und Stile sind nicht nur zugänglicher denn je, sondern die gesamte Branche, von der Inspiration bis zur Präsentation, ist jedem mit großer Neugier zugänglich.

Das konstruierte Verlangen der sozialen Medien nach winzigen Details hinter den Kulissen und Zugang trat in die Tür ein, die diese Institutionen öffneten, die seitdem von Exposé-Reality-TV, Verbreitungsmarken und Fast Fashion geöffnet wurde.

Hier werfen wir einen Blick auf diese kurze Geschichte der Demokratisierung der Mode.

Ziel/Isaac Mizrahi: Fans von Prabal Gurung, Proenza Schouler und Missoni sollten Isaac Mizrahi dafür danken, dass er vor 10 Jahren Targets erste High-End-Diffusionskollektion entworfen hat. Mizrahi war ein gefeierter Designer mit einer inkonsistenten Erfolgsbilanz, bevor er sich 2002 mit Target zusammentat, um unter seinem Namen Kleidung und Haushaltswaren zu entwerfen. Das Unternehmen war für beide Seiten von Vorteil – Mizrahis Kleidung, Accessoires, Bettwäsche und mehr wurden für bis zu 300 Millionen US-Dollar pro Jahr verkauft Jahr und sorgte für Glanz für die Schnäppchenkette. Die sechsjährige Partnerschaft machte Mizrahi zu einem bekannten Namen und machte Target zu einer Destination für High Fashion. Marc Jacobs und Vera Wang haben seitdem ihren Namen und ihre Vision der Aufbewahrung von Gegenständen verliehen.

Streetstyle-Blogs/Instagram/Twitter: Wenn Man Repeller Leandra Medine Instagrammer zu ihren Armpartys einlädt, lässt sie sie gleichzeitig mit Hermes und Forever 21 mischen. Der Stil der Modebloggerin – „sich in einem kleidungsoffenen Modus auszustatten, der dazu führen kann, dass Mitglieder des anderen Geschlechts abgestoßen werden“— veranschaulicht die ironische Natur der Haute Couture. Es ist schwer fassbar und teuer, aber oft unpraktisch und unattraktiv. Medines Methode, High und Low zu mischen, ist typisch für die beliebtesten Modeblogs, die den Lesern zeigen, wie man nur einen Luxusartikel in ein Outfit mischt. Cupcakes and Cashmere, The Sartorialist, Atlantic-Pacific und andere zeigen „normal“, d.h. nicht (zumindest vor dem Bloggen) berühmte oder besonders wohlhabende Sujets tragen regelmäßig modische Outfits. Die Blogs, ob informativ oder eigennützig (oder beides), inspirieren die Käufer zum Fressen und/oder Experimentieren, was die Neugier der Verbraucher auf High-End-Marken weckt.

Social Media ist zum großen Ausgleich in der Mode geworden. Insider nutzen Social Media genauso wie Medine und offenbaren dabei Spuren von Inspiration und Mysterium. Prabal Gurung Instagram-Fotos von anregenden Bildern wie einem bunten Sari und Oscar PR Girl teilen Bilder und Anekdoten hinter den Kulissen mit Oscar de la Renta auf ihren Instagram-Konten. Alexander Wang, Christian Louboutin und Diane von Furstenberg gehören mit jeweils hunderttausenden Followern zu den beliebtesten Designern auf Twitter. Ihre Tweets, ob banal oder schillernd, entmystifizieren die Modebranche und lassen die Follower mit jedem Teil des Prozesses interagieren.

ANTM/Projekt-Landebahn: Die Reality-Show-Juggernauts sind so backstage wie es nur geht. Project Runway zeigt, wie sich im Laufe einer dreimonatigen Saison ein Samenkorn der Kreativität zu einer Laufstegshow mit 10 Looks entwickelt. Aspekte wie der Kommentar von Standby-Richter Michael Kors präsentierten Mode aus den Augen erfahrener Veteranen. Die Show ermöglicht es den Zuschauern, ungleichmäßige Säume zu erkennen, die Passform eines Kleides zu kritisieren, wie ein Designer zu denken und eine Modegeschichte zu beobachten, als ob sie in der ersten Reihe einer Avantgarde-Show sitzen würden. In ähnlicher Weise hat America's Next Top Model das Interesse an Modellen von einer Nische in eine normale verwandelt. Twiggy und Janice Dickinson sehen zu, wie hoffnungsvolle Covergirls für Tyra Banks laufen, posieren und überfallen. Die Shows zielen darauf ab, zu unterhalten, aber der Effekt ist auch eine Diffusion grundlegender Schichten des Modekuchens.

Schnelle Mode: Wie die berühmte Szene in Devil Wears Prada zeigt, ist ein Trickle-Down-Effekt unvermeidlich, aber enge Kopien sind tabu. Aus diesem Grund haben wir Fast Fashion. Fast Fashion wurde in den 80er Jahren geboren, aber der scharfe Blick der Öffentlichkeit auf Laufstege hat sie zu einem dynamischen Erwachsenen gemacht. Der Prozess ist in Läden wie Zara, Topshop, H&M und Forever 21 bekannt. Es ist nicht unumstritten Forever 21 sah sich mehreren Klagen wegen geistigem Eigentums wegen Nachahmung von Modehäusern wie Anna Sui und Diane von Furstenberg gegenüber. Der Versuchung, aus den heißesten Trends Kapital zu schlagen, ist schwer zu widerstehen, da es billig zu machen ist, Milliarden von Dollar einbringt und dem Laden einen Cache einbringt, weil er ständig in Mode ist, auch wenn die Designs nicht originell sind. Unabhängig von der Herkunft macht das Produkt jeden Bürgersteig zu einem Laufsteg. Fast-Fashion-Läden ermöglichen es sogar pleite Fashionistas, ihre Lieblingsdesigner oder Prominenten zu einem Bruchteil des Preises nachzuplappern. Es ist allgegenwärtig, aber es sorgt dafür, dass sich die Leute beispielsweise um Rodarte kümmern, auf eine Weise, die sie sonst nicht hätten.

Übertragung von Lincoln Center-Shows: Die Live-Übertragungen der Mercedes Benz Fashion Week machen den Kreis des Lebens zwischen Designern und Masse etwas enger. Neugierige Verbraucher können die größten Trends der nächsten Saison ohne Presseausweis oder mit Prominenten zum Guten oder Schlechten beäugen. Vielleicht ist das der größte Unterschied – die physische Präsenz. Der virtuelle Zugang zu High Fashion, sei es online im Fernsehen oder auf Nachahmungen, ist billiger und einfacher, er ist viel demokratischer. Aber sagen zu können: „Ich war dabei?“ Das scheint immer noch unbezahlbar zu sein.


Textilien wurden erfunden, als die Menschen sie brauchten, und einige von ihnen wurden von verschiedenen Kulturen erfunden, die nie gegenseitige Kontakte hatten. Einige wurden mit einer Absicht erfunden, um später für eine ganz andere verwendet zu werden. Die Textilgeschichte ist breit gefächert und bunt.

Stricken und Weben sind zwei sehr interessante Errungenschaften der Menschheit. Niemand weiß, wer der Erste war, der die Idee hatte, Stoffe auf diese Weise herzustellen, aber wir wissen, dass die Idee brillant war.


Glossar der Renaissance-Mode

Ich werde noch einmal ein Glossar mit Kleidungsbegriffen erstellen, diesmal aus der Renaissance. Einige der Begriffe, die ich für mittelalterliche Kleidung definiert habe, wurden auch während der Renaissance verwendet und ich werde höchstwahrscheinlich einige dieser Begriffe in aktuellen Beiträgen verwenden, daher finden Sie ihre Definitionen hier.

Basquin — Mieder ohne Knochen aus Fischbein und Leder, ließ breitere Schultern erscheinen, die sich zu einer schmalen Taille verjüngen (Frauen)

Baskenmütze— dünne, lockere Hüte, die normalerweise zu einer Seite des Kopfes geneigt sind

bombastieren — Füllung für Stammschlauch, Kabeljau-Bauch und Hammelkeulenärmel, bestehend aus Lumpen, Flock und anderen Materialien

bourrelet — breitere Version des in Frankreich adaptierten Farthingale, eher zylindrisch als konisch (Frauen)

Bauchrolle/Bolster - Polsterrolle, die um die Hüftlinie gebunden wird, um den Rock vom Körper fernzuhalten, weniger einschränkend als das Farthingale (Frauen)

camicia — Unterhemd meist aus weißem Leinen (Herren)

Kanionen — vom Wams bis zum Knie getragene Oberschäfte (Herren)

Chopines — Schuhe, die den Träger erhabener machten, entwickelten sich schließlich zu High Heels

halbmond kappe — runde/herzförmige Mütze, die am Hinterkopf getragen wird, mit einem Samtschleier, der den Rest des Haares bedeckt

Codpiece — gepolstertes Stoffdreieck, das vorne am Rumpfschlauch über der Leiste geschnürt getragen wird (Herren)

copotain — hoher Glockenhut

Entenschnabelschuhe/Scarpines/Ochsenmaulschuh — große, weite, eckige Schuhe, oft mit Juwelen oder Schrägstrichen verziert (Männer)

eneigne — scheibenförmiger Hutschmuck, meist sehr detailliert mit Juwelen/Schnitzereien (Männer)

Reifrock — oberster Petticoat, der dem Rock Form verleiht (Frauen)

feinsterella ärmel — Ärmel, bei denen der Oberstoff waagerecht geschlitzt und die Ärmel der Unterwäsche durchgezogen waren (Frauen)

flache Kappe — flacher Hut mit weicher Krone und mäßig breiter Krempe (Herren)

Trichterärmel — am Oberarm anliegende und aufgeblähte Ärmel, die eng am Handgelenk anliegen

Zwinger- oder Giebelkopfschmuck

Wams— kurze Samt- oder Lederjacke, meist ärmellos (Herren)

Zwinger/Giebelkopfschmuck — fünfeckiges Stück, das über dem Kopf getragen wird, mit Schleier/Taschenkappe aus dunklem Samt, die am Rücken befestigt ist und das Haar bedeckt (Frauen)

Hammelkeulenärmel — Puffärmel, die sich über die gesamte Länge des Armes erstrecken

Hals wisk — eine fallende Halskrause, die vorne offen war und einem Kragen ähnelte

untere aktien — Unterhosen getragene Unterhosen, die lang genug sind, damit der Hintern zu sehen ist (Männer)

pantofles — Holzplattformen, die mit Stoffstücken an der Schuhsohle befestigt sind, um sie vor Regen, Schnee und Schlamm zu schützen

Erbsenkotelett-Wams — Wams, der am Bauch abgerundet ist, um das Aussehen eines ausgefüllten Bauches zu erwecken (Männer)

Punkte — ähnliche Schnürsenkel, die verwendet werden, um den Rumpfschlauch an Wams oder Ärmel an Wams oder Mieder zu befestigen (Schnürung/Träger)

stößt — an das Wams gebundene schürzenartige Taschen (Herren)

Halskrause — gestärkt (oft in verschiedenen Farben) und zu Rüschen gefalteter Drahtkragen, könnte aus Spitze oder mit Juwelen besetzt sein, hatte normalerweise passende Manschetten

Schuhrose — Dekoration meist aus Spitze oder Schmuck, die vorne am Schuh getragen wurde

schlitzen und pusten — Schlitze, die in ein Kleidungsstück geschnitten wurden, wobei der Stoff aus der Unterwäsche durchgezogen wurde, um Puffs zu bilden

Stomacher — versteiftes dreieckiges Stück, das vorne am Mieder getragen wird und vom Halsausschnitt bis zum Unterbauch reicht (Frauen)

Supportasse — Rahmen aus seidenfarbenem Draht unter der Halskrause festgesteckt, um sie an Ort und Stelle zu halten

Kofferraumschlauch/Kürbisschlauch - ballonisch aussehende Reithosen, die sich vom Ende des Wams bis etwa zur Mitte des Oberschenkels erstrecken (Männer)

Venezianer— volle Reithose, die bis zum Knie reicht

Verdingale / Farthingale Rüschen — stiff wheel of fabric, often pleated, worn between the bodice and the skirt (women)

wasp waist — deep V-shaped waistline that extended over the skirt

Flügel — rolled fabric worn vertically around each shoulder, between the sleeve and the bodice

wisk/Medici collar — fan-shaped pleated collar, stiffened with wire and open at the front

zipone — buttoned tunic that reached the knee worn over the doublet (men)

zornea — cape with wide sleeves, belted at the waist (men)


Figs in the Garden

The deciduous fig tree can live as long as 100 years and grow to 50 feet tall, though they more typically stay between 10 to 30 feet. The twisty branches spread wider than the tree height. Figs flourish in hot, dry climates and the fruit requires the all-day sun to ripen.

Botanically, the fig isn't actually a fruit but a syconium. It's a portion of the stem that expanded into a sac containing flowers that grow internally. The common fig contains only female flowers and propagates without pollination. Other cultivars require pollination.


The Complicated Rise and Fall of Udoli, an Unsung Subculture of Black Fashion History

Udoli style (source)

Black women have been at the forefront of many cultural trends throughout the centuries, from hoop earrings worn by ancient Nubian civilisations and 80s disco divas alike, to streetwear trends pioneered by R&B and Hip Hop artists of the 90s. There is one unsung fashion subculture however, which never quite took off with mainstream consumers but for a small group of young Black women on the internet, it became a lifestyle. Let’s take a look at the fashion non-phenomenon known as: Udoli.

Variations of Udoli and Ulzzang (via Tumblr)

In the mid-00s there was a sudden boom of Western intrigue in Eastern culture, particularly Japanese and Korean culture thanks to the rise of social media sites like Myspace, Facebook, and Twitter, which encouraged a wider exposure to trends like anime, K-pop and J-pop. Some of the most popular fashion trends to take off were kawaii fashion subcultures that allow for self-transformation centered around cuteness and doll-like archetypes. Style genres emerged such as “Ulzzang” (ool-jung) a Korean term meaning ‘best face’, “Lolita fashion” highly influenced by Victorian clothing and styles from the Rococo period, and “Gyaru” (the Japanese pronunciation of the word gal), an eclectic Japanese street style with a dizzying array of variations and subcategories.

While these new interests were popular online, they were still largely unknown to mainstream western culture. As a result, westerners with fringe interests turned to the internet to build communities where they could learn more and connect with other teens who shared their tastes in eastern fashion, music, and media. But for darker skinned participants, it turned out to be a different story.

Ulzzang looks. Source: @dani.theflowerthief Quelle

In many Ulzzang groups, it was common practice to hold something known as “best face” contests in which any member of the community could enter and other members could vote or comment on their pictures. But when Black or other darker skinned enthusiasts entered, they were swiftly discouraged. Troubling biases such as the right nose size, bone structure, mouth shape or skin tone came into play and the forums became rife within online bullying. While Asian and white participants were being praised as the most “kawaii” (a Japanese word for cute) or consistently winning the “best face” contests, the message was clear. And when Black and Brown members spoke up about their mistreatment online, they were often dismissed as being overly sensitive.

b-Gyaru looks (via)

To further complicate matters within the youth subculture, in one niche sub genre of Gyaru called ‘b-Gyaru‘, which draws influence directly from Black American hip-hop culture (yes the ‘B’ does mean what you think it means), Black participants also found themselves excluded and criticised for not being “kawaii” enough.

b-Gyaru looks (via) b-Gyaru looks (via) b-Gyaru look (via Tumblr)

Despite the fact that many Gyaru girls wore appropriated style such as box braids, acrylic nails, hoop earrings and even darker makeup to achieve a more tanned skin tone, Black girls were even told the make-up didn’t “look right” on them. Black Gyaru members, who were undeniably skilled at recreating the looks and styles of the fashion were often the subject of vitriolic gossip on online hate forums like Gyaru Secrets, a gossip blog for Gyaru girls.

So this brings us to creation of Udoli …

Udoli (via)

Udoli (the Zulu word meaning Doll) was a subculture of fashion created in 2008 by Ulzzang enthusiast, Vivi Jochan, in response to the discriminatory gatekeeping she had faced from those communities. “A fashion movement that tries to bring out the beauty of different cultures … ANYONE can be udoli,” read the genre’s official byline. The group originally emerged as a safe space for Black and Brown girls who were interested in Gyaru and Ulzzang, a haven for young girls who shared similar interests in music, fashion, anime, and art. Vivi would eventually hand the reins of the burgeoning Udoli movement over to another fashionista by the name, Nuru, who went on to transform Udoli into its own distinct genre of fashion. Nuru envisioned Udoli as a new style altogether, that would centre Black women and provide an alternative to Ulzzang, Gyaru as well as other Asian sub fashions. She, along with a team of other Udoli members, collaborated to conceptualise six different sub categories for Udoli by drawing influence from African, Caribbean, and Native American cultures as well as the already existing Asian styles.

Nuru, was determined to distinguish Udoli as its own style rather than ‘Black ulzzang’ as it had come to be known. This gave all of the members a common goal to work towards and further built up a sense of community. Group members helped to refine the genre by creating their own interpretations of each sub category via YouTube tutorials and lookbooks. The teenage fashionistas created Tumblr blogs, Pinterest boards, Polyvore pages and playlists for inspiration, while other members would use these guidelines to cultivate their own personal Udoli style.

Kawaii looks (via) A Udoli look (more via Tumblr)

During its most active years, Udoli photoshoots, makeup tutorials and blogs began popping up all over the web as participants endeavoured to spread the word about their subculture. There was even a —now defunct— official Udoli website and contests were held to boost group morale and encourage participation. The community was small, but its participants were genuine in their enthusiasm for the inclusive message and intent of Udoli.

Udoli styles (source)

Udoli was not without its detractors, however. Outsiders ridiculed Udoli’s efforts, accusing the genre of “ripping off” Ulzzang and Gyaru. As participation grew, Udoli also faced legitimate criticism regarding cultural appropriation. In a now lost Tumblr post, an African fashion blogger noted that painting cat whiskers and dots on your face was not representative of Africa and that Africa was more than animal prints and face spots. In response to this, an African Udoli member created a visual guide on the significance of dot placements in different African cultures.

Despite these criticisms, the members of Udoli, continued to cultivate and promote the style, but by 2013, Udoli was struggling to retain its veteran members. The founding members who were still around were either more interested in other subcultures, outgrowing alternative fashion, or were experiencing burn outs from trying to mobilize Udoli for so long. A few of the original members who were still around worked hard to revitalise Udoli by creating new contests, Q&A’s, and putting together style guides, but these efforts were in vain more often than not. New girls joining the lifestyle would find moderately inactive groups and eventually, Udoli’s long appointed leader, Nuru, announced her intentions to step away from Udoli, stating that she felt the style had run its course. In 2016, the Udoli Facebook group would cease activity.

via The Udoli Tumblr

Despite its inability to establish itself as a fashion foothold, if nothing else, Udoli highlights Black women’s perseverance and ability to form a sense of community in the face of discrimination. Brief as it was, Udoli is a piece of forgotten Black American fashion history and unquestionably, a product of its time.

Variations of Udoli and “Black Ulzzang” (via Tumblr)

As a former Udoli member looking back on myself and these young women, we were simply trying to do what other people are able to do on the internet – just exist and have fun exploring fashion. We might have gone about it the wrong way but we were out there creating a whole new fashion subculture. In a sense, we were ahead of the trends in many ways, because right around that same time, the natural hair movement was taking off as well as the Carefree Black girl movement (arguably pre-Cottagecore). And now we have settled on Black Girl Magic. I will always look back on my time with Udoli with fondness. It will probably never be replicated and should stay exactly where it is, but you had to be there to understand just how special Udoli was.


Fashion designing - the then and now

Fashion designing can be loosely defined as 'the art of creating fashionable apparel '. With the passage of time, however, the concept of 'fashion designing' has extended to other things such as fashion accessories such as jewellery, bags, footwear, etc. Keeping in mind the evolution of fashion designing, it would not be wrong to define it as 'the creation of fashion '.

Fashion designing has indeed come a long way from the mere designing of clothing. Fashion designing has evolved into a full-fledged industry today. It is well accepted as a career option all over the world. Apart from designing, there are a number of other career alternatives that have emerged in this industry with the passage of time. This article seeks to study the evolution of the industry of fashion designing the then and now.

Die origin of fashion designing dates as far back as 1826. Charles Frederick Worth is believed to be the first fashion designer of the world, from 1826 to 1895. Charles, who was earlier a draper, set up a fashion house in Paris. It was he who started the tradition of fashion houses and telling his customers what kind of clothing would suit them.

During this period, a number of design houses began to hire the services of artists to develop patterns for garments. Patterns would be presented to the clients, who would then place an order if they liked them. It was during this timeframe that the tradition of presenting patterns to the customers and then stitching them began, instead of the earlier system wherein the finished garments would be presented to them.

In the beginning of the 20 th century, new developments in fashion would take place in Paris first, from where they would spread to the rest of the world. New designs of clothes would be born in Paris before they found their way to other parts of the world. In other words, Paris emerged as the 'fashion capital'. 'Fashion' during this period was mostly ' haute couture ', exclusively designed for individuals.

Towards the mid-20 th century, fashion garments began to be mass-produced. The bulk of production increased, and people began to have more choices of garments. Towards the end of the 20 th century, fashion awareness among people increased, and they began choosing clothes for themselves based on comfort and their own style, instead of relying on the trends prevailing in the market.

Today, as stated above, f ashion designing is well accepted as a career option . A number of institutes have come up the world over, offering courses in various arenas of fashion. The number of students who consider fashion as a serious career and who have gone in for courses in the same has gone on rising over the years.

Specializations in fashion designing have come into being. There is a wide range of options for a designer to choose from, such as lingerie, swimwear, women's wear, bridal wear, children's wear, men's wear, footwear, handbags, etc. Fashion designers used to be self-employed earlier now find a number of career opportunities open for them. They can work with garment firms and export houses. They may also be engaged in the job of remodeling haute couture and adapting them to the tastes of the mass market. They might also hold jobs in departmental stores or specialty stores.

Developments in the field of fashion designing have given rise to other related career paths such as hairstylist, make-up artist, fashion journalists, fashion advisors, fashion photographers, etc.

Another significant change that has come about in the fashion designing industry in recent times is the increased use of computers and technology . A number of software packages have come up to aid designers in the process of designing as well as other stages in the production of a garment, easily and speedily.

Fashion designing as a trade has also grown. Fashion designers have gone on to get repute not only in their own countries, but internationally as well. The number of fashion shows and participation in the same has gone up considerably in recent times.

Fashion designing is thus no longer only the designing and creation of a garment, but it is a world in itself involving fashion, design, creativity, technology as well as business.


Schau das Video: Es war einmal in Mesopotamien (Juni 2022).


Bemerkungen:

  1. Edmon

    Ich denke du liegst falsch. Schreiben Sie mir in PM, wir werden reden.

  2. Jamal Al Din

    Eine andere Variante ist möglich

  3. Drugi

    Schreiben Sie die Varianten besser, anstatt zu kritisieren.

  4. Utbah

    die autoritäre Antwort, seltsamerweise ...

  5. Beathan

    Noteworthy, the very funny opinion



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